ESCULTURA GRIEGA
características generales; importancia del hombre, el canon (belleza, numero y proporcion), piedra marmol bronce, tecnica crisoelefantina, bulto redondo, adaptacion al marco arquitectonico, escultura policromada, desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenistico.
periodo arcaico S 8-6ac : funcion religiosa influenciasegipcias y persas, hieratismo y frontalidad, geometria, sonrisa arcaica
obras: los kuroi las korai, Templo de afaia en egina, Morscoforo, La dama de auxerre
periodo clasico S 4-1ac;
1ER CLASICISMO etapa de transicion, no hay frontalidad, idealismo y expresion contenida, equilibrio entre etmos y pathos OBRAS El auriga de delfos
PLENITUD DEL CLASICISMO naturalismo e idealizacion, busqueda de la belleza ideal, armonia y proporcion en anatomia AUTORES miron fidas policleto
2DO CLASICISMO menor majestuosidad mas estilizado naturalismo desnudo femen. AUTORES praxitetos y lisipo
periodo helenistico S 4-1 ac: realismo: pathos barroquizacion, mayor expresividad, dramatico y anecdotico, temas variados, OBRAS venus de mileto, victoria de samotracia, lacoonte y sus hijos
escultura helenistica
muerte de alejandro magno 323, caracteristicas: eclectismo, secularismo, historicismo. influencias: orientales, nuevas tecnicas. escultores: escopas, praxiletes mentalidad preocupacion por el destino, sentido de la teatralidad de la vida, eclectismo: formas nuevas, caracter individualista de autarquia, vision cosmopolita
CANON de lisipo se estiliza se alarga el canon realismo modificar y renovar el canon anterior de policleto de 7 cabezas aumentandolo media mas
CANON de policleto sistema de composicion escultorica distribucion proporcional del cuerpo, hombre perfecto simetria y armonia. relacion numerica sentido pitagorico siete cabezas. doriforo es el modelo utilizado por pocicleto para ejemplificar su canon
RAZON de la estilizacion
para Plinio el viejo la diferencia de estilización responde al criterio estético los artistas del siglo V mirón Fidias y Policleto representaban al hombre tal y como es mientras que en el siglo IV Praxíteles scopas y Lisipo como el ojo lo ve con más refinamiento óptico
Vitruvio deja asentados estos conceptos ampliados a otras proporciones y reelaborada dos por otros artistas como Alberto Duero o Davino
En la edad contemporánea le Corbusier crea un nuevo canal de proporciones humanas el modulor para la arquitectura
CÁLAMIS
siglo V trabajo mármol bronce oro y marfil género Animal Instinctcaballos pherenikos su mejor obra Apolo onfalos de 9 m y también hizo a Afrodita sosandra de bronce)
MIRON
siglo V aportaciones hacen de transición al periodo clásico con bronce El discobolo representaciones de atletas (audacia en las poses ritmo más perfecto tensión del cuerpo) realismo de hombres y animales
FIDIAS
siglo V introduce el clasicismo relieves y esculturas de bulto redondo realizó la amazona (paños más realistas) también a hace la Atenea partenos y el Zeus. ambas en madera embestida con fragmentos de oro y marfil (modelos de perfección) también otras de bronce como (Atenea lemnia y promacos) Fidias hizo los frontones del partenón
ESCUELA DE RODAS
Durante el periodo helenístico la isla de Rodas fue el centro de producción escultórica fue un foco de innovaciones asociado con el estilo de diseño barroco de lo helenístico. La Victoria alada de Samotracia y lacoonte y sus hijos por Atenodoro Polidoro y agesandro
CLAS
S.IV a C. Año 330 a.C Copia romana de otra griega realizada en bronce en el periodo postclásico griego. Apoxiomeno fue encontrado en el S.XIX en roma en termas de Agripa Dimensiones: 2,05 m Autor: Lisipo .Ubicación: Museos Vaticanos Tema : hombre atleta “el raspador”. Los atletas competían con el cuerpo cubierto de grasa y una vez terminada la competición tenían que quitarse el polvo que se les había adherido al cuerpo, cosa que hacían por medio del estrigilo
A.FORMAL
Hombre desnudo de pie con brazos extendidos hacia delante, realiza algún tipo de acción con el brazo derecho,descansa sobre su pierna derecha. Material.- Mármol. La textura de su superficie es lisa con sensación de cuerpo y musculatura fuertes. Técnica.- Esculpido en mármol. Probablemente a partir de bloque de mármol Forma.- estatua exenta, de bulto redondo Composición .- presenta una superficie ondulante, que contrasta con la serenidad del personaje que mira al vacío. transmite la sensación estática.Se observa la tercera dimensión por medio de los brazos se trata de una composición con distintos puntos de vista. Se disponen armónicamente las partes del cuerpo estando algunas tensión mientras que sus simétricas se mantienen en reposo(contraposto). naturalismo realista vemos un hombre con un equilibrio perfecto entre músculo y definición muscular, siendo por tanto una escultura naturalista y figurativa.modelado desaparecen las rígidas divisiones en planos y volúmenes puros del Doríforo, para conseguir un cuerpo más flexible y ligero. El modelado es más suave, largas y finas piernas aparecen dispuestas En la proporción Lisipo emplea el nuevo canon, empleando 7 1⁄2 cabezas así una figura más esbelta.
A.CONCP
nueva visión del hombre, alejándose del ideal del atleta triunfador para mostrarlo en su faceta cotidiana y realista, marcada por el cansancio y el esfuerzo. Esta concepción refleja la sentencia de Lisipo: "Se ha de imitar a la Naturaleza y no a un maestro". Lisipo, escultor de larga trayectoria, alcanzó su auge trabajando para Alejandro Magno y otros mecenas. Su obra transcurre entre el periodo clásico y el helenístico, evidenciando una evolución artística influenciada por sus clientes y su entorno.
ANALISIS DORIFORO
CLAS Fecha de ejecución: Atenas año 450-440 a.C. Copia de cultura cultura romana del original de bronce realizado probablemente en el S.V. periodo clasico griego. Doríforo fue encontrado en el s. XVI en la villa Aldobrandini de Frascati, el original pudo venir a Roma como botín de guerra. Dimensiones: La réplica mide 1,29m x 0,73m Autor: Policleto. Ubicación: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles Tema : hombre atlela "Portador de lanza",
La escultura es una figura de cuerpo entero, realizada en bronce originalmente y en mármol en sus copias. Presenta la técnica del contrapposto, con un equilibrio entre partes tensas y relajadas: la pierna derecha sostiene el peso mientras la izquierda está flexionada, y el brazo derecho cuelga relajado mientras el izquierdo sujeta la lanza. Su expresión es serena, con un torso inscrito en un rectángulo y pectorales e ingles marcados. La textura de la superficie es lisa, con un gran estudio anatómico y una musculatura bien definida. La obra mantiene rasgos arcaicos en la rigidez de algunas líneas.
A.CONC Tras la victoria de Atenas en las Guerras Médicas, la ciudad vivió su máximo esplendor bajo Pericles, atrayendo a numerosos artistas. Policleto estableció en su tratado Canon un sistema de proporciones basado en el canon de siete cabezas, buscando representar la belleza ideal del cuerpo humano. El Doríforo se convirtió en la mejor expresión plástica de estas teorías y fue un referente en el arte romano y renacentista. Su función era conmemorar la figura de un atleta victorioso y reflejar el antropocentrismo griego. Se han conservado unas 70 copias romanas de la escultura.
ANALISIS VICTORIA DE SAMOTRACIA
Clasificación Fecha de ejecución: Siglo II a. C. Escuela de Rodas. Periodo helenistico. Dimensiones: 2,55 m. Con base 5,57 m Autor: Se atribuye a Pithókitos. Ubicación: Museo del Louvre. Tema : Tema mitológico y conmemorativo, representa a Atenea de la Victoria que estaría posándose sobre un pedestal con forma de proa de barco Se descubrio en 1863 en la isla de Samotracia en el santuario de los grandes dioses.1875 los bloques de la proa del barco
A.FORM
La Victoria de Samotracia es una escultura figurativa, de bulto redondo y en pie, tallada en mármol blanco de Paros, con una base de mármol gris veteado de Lartos, Rodas. La técnica empleada incluye el "drapeado" y el efecto de "paños mojados", permitiendo que la anatomía sea visible a través del vestido.
La composición se basa en el contrapposto, con el peso del cuerpo apoyado en una pierna, lo que otorga naturalidad y dinamismo a la postura. Las alas y la inclinación del cuerpo generan una composición abierta con líneas diagonales que transmiten la sensación de avance y desequilibrio. La escultura parece abalanzarse contra el viento, con pliegues en la vestimenta que acentúan la expresividad. Se aprecia un detallado estudio anatómico y un juego de luces y sombras que refuerzan el dramatismo propio del arte helenístico.
A.CONCP
Hallada en 1863 en el santuario de Cabiros en Samotracia, su función era votiva y conmemorativa, probablemente celebrando una victoria naval sobre Antíoco III de Siria. Niké, diosa de la victoria, solía representarse en pequeño formato junto a dioses como Zeus o Atenea, simbolizando el triunfo universal.
El periodo helenístico, influenciado por la expansión de Alejandro Magno, abandonó la racionalidad clásica en favor del movimiento, la tensión y el dramatismo. La Victoria de Samotracia, fechada en 167 a.C., pertenece a la escuela de Rodas, reflejando esta evolución hacia la expresividad y el barroquismo formal.
Inicialmente descubierta sin su base, posteriormente se identificó su ubicación sobre la proa de un barco gracias a monedas antiguas. Su influencia ha sido enorme, con copias en museos de todo el mundo y referencias en el arte, la literatura y la cultura popular. Inspiró obras como Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni, esculturas de Yves Klein y Dalí, y fue mencionada en el Manifiesto Futurista de Marinetti. Además, su imagen dio identidad a la marca Nike, consolidando su impacto más allá del ámbito artístico.
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TORSO BELVEDERE
Fecha de ejecución: Siglo I a.C. Copia de cultura romana del original de bronce realizado probablemente en el S.II. periodo helenistico griego. Dimensiones: La réplica mide 1,29m x 0,73m Autor: Apolonio de Atenas. Ubicación: Museo Pío-Clementino de los Museos Vaticanos Tema : mitológico
Descubierto entre 1503 y 1513 en Campo de Fiori, el torso es una escultura exenta y sedente, aunque incompleta, ya que carece de cabeza, brazos y piernas. Está tallado en mármol, material que, por su textura traslúcida, permite un alto grado de realismo en la representación de la musculatura. Su composición muestra a un hombre musculoso, con el torso curvado hacia adelante y ligeramente ladeado a la izquierda. Se presume que su brazo derecho estaba más bajo que el izquierdo, que posiblemente se encontraba levantado. El personaje está sentado sobre una roca cubierta por una piel de animal. La tensión en el abdomen y la postura encorvada reflejan el estilo del periodo helenístico, que se aleja del equilibrio y la armonía clásica para representar mayor dramatismo y expresividad.
El Torso Belvedere ha sido admirado desde el siglo XV y formó parte de las colecciones vaticanas desde 1530. Su representación del cuerpo humano influyó en el Renacimiento, época en la que se retomó el ideal de belleza clásico tras su rechazo por el cristianismo. La interpretación más aceptada es que representa a Áyax Telamonio antes de su suicidio, aunque en el pasado se creyó que podría tratarse de Heracles, debido a la piel sobre la que está sentado. En el siglo XIX, Carl Hasse refutó esta idea al señalar que la piel no era de león, lo que abrió nuevas teorías sobre su identidad. Su anatomía poderosa y su estilo influenciaron a grandes artistas como Miguel Ángel, Rubens, Turner, Rodin y Picasso, consolidando su importancia en la historia del arte
ANALISIS LACOONTE Y SUS HIJOS
CLAS
Fecha de ejecución: 50 d.C S.I. Periodo helenístico. Escuel de Rodas.Obra original principios de la era cristiana Dimensiones: 2,42 m de altura Autor: Agesandro, Polydoro y Athenodor Ubicación: Museos Vaticanos La escultura fue descubierta en el siglo XVI, 1506 por Miguel Angel, en los terrenos donde estuvo situado una villa de Nerón, se cree, que la escultura tuvo una función decorativa en la villa del emperador
A.FORM La escultura Laocoonte y sus hijos es un grupo escultórico de bulto redondo, esculpido en mármol con la técnica del cincel. Su composición es asimétrica y piramidal, con una diagonal dominante desde el pie izquierdo de Laocoonte hasta su codo derecho, lo que intensifica el dramatismo y la sensación de movimiento.
TRASCENDENCIA Desde su hallazgo en 1506, Laocoonte y sus hijos impactó a artistas como Miguel Ángel y sirvió de inspiración para numerosas copias y reinterpretaciones. Su dramatismo influyó en el Barroco, fascinando a Bernini, y en el siglo XX fue referente para los expresionistas. Más de 500 años después, sigue siendo una de las obras más influyentes de la escultura helenística.
ANALISIS TORO FARNESIO /SUPLICIO DE DIRCE
Escultura monumental helenística, ejecutada en mármol alrededor del año 130 a.C., aunque la versión conservada es una copia romana del siglo III d.C. Fue realizada por los escultores rodios Apolonio y Taurisco de Tralles. Con 3,70 m de altura y 40 toneladas de peso, se encuentra en el Museo Arqueológico de Nápoles. Representa un episodio mitológico en el que Anfión y Zeto castigan a Dirce atándola a un toro como venganza por los malos tratos que infligió a su madre, Antíope.
El grupo escultórico, tallado en mármol, está diseñado para ser visto principalmente desde el frente, aunque permite una observación desde distintos ángulos. Su composición es piramidal, con líneas helicoidales que generan una tensión ascendente, culminando en la cabeza del toro. Se compone de cuatro figuras humanas, animales y elementos naturales que refuerzan la escena dramática.
El movimiento es un elemento clave, reflejado en la musculatura del toro y en las expresiones de terror y tensión de los personajes, logrando un fuerte dramatismo y teatralidad. Detalles como la presión de la mano de Dirce sobre la pierna de uno de los jóvenes y la sensación de furia del toro acentúan la intensidad de la obra.
Descubierta en 1546 en las termas de Caracalla, fue restaurada y expuesta en el Palacio Farnesio, de donde toma su nombre. Es un ejemplo del arte helenístico, caracterizado por su teatralidad, monumentalidad y dinamismo, en contraste con la serenidad y equilibrio del arte clásico. Refleja una sociedad en constante cambio, influenciada por los conflictos tras la muerte de Alejandro Magno.
Su impacto perduró hasta el Barroco, inspirando obras como El Rapto de Proserpina y El Éxtasis de Santa Teresa de Bernini.
ARQUITECTURA GRIEGA
ESCULTURA ROMANA
-Finalidad pública: dar a conocer los héroes romanos y los hechos gloriosos. El envío de esculturas del emperador y su familia a las provincias favoreció
la idealización en algunas épocas
-Finalidad estética : La belleza pierde importancia a favor de la verdad, los detalles y la realidad son mas importantes que el canon.
CARACTERÍSTICAS
- Escultura civil lo prioritario es ensalzar a la autoridad, exhibir el poder y la grandeza de Roma y su gobierno
- Culto a los muertos siguiendo la tradición etrusca (imagines maiorum). Su origen está en una antigua práctica funeraria cuando algún
patricio moría se sacaba de su rostro una mascarilla de cera, que se guardaba en casa y se exhibía en los funerales.
-Gusto por las facciones de la cara ( naturalismo) fidelidad en los rasgos y en los tocados ( retrato femenino) -Retrato policromado para acentuar la expresion de vida
-Busto en distinto tipo de piedra y policromado para imitar al natural
-Tallado de la pupila o iris de los ojos en sustitucion del policromado
TIPOS DE RETRATO
- Retrato:cabeza, cabeza y cuello - Busto: cabeza, los hombros, el nacimiento de los brazos y el pecho, o parte . No se considera un fragmento parcial
de una obra, sino que es, en sí mismo, la obra completA - De pié: es el mas común. - Sedente:más propio de mujeres. - Ecuestre: a caballo, solo emperadores. - Retratos funerarios femeninos: las figuras de mujer se mostraban cubiertas por una toga y un manto que cubría la cabeza.
El relieve narrativo es Narración de acontecimientos históricos y campañas militares del imperio
PERIODO REPUBLICANO Origen en imagines maiorum gran realismo, rasgos faciales muy acentuados busto corto,sólo representa cabeza y cuello. Los hombres llevan el pelo corto. Lucio Junio Bruto: romano o etrusco. Pompeyo realismo y penetración psicológica. Bruto Barberini: aunque es ya del Alto Imperio
PERIODO IMPERIAL
--ALTO IMPERIO: Retratos Imperiales: “Imagen togata”, como patricio o pontífice máximo, con toga. el Retrato togato de Augusto, en el que la postura marca el contraposto y la cabeza está cubierta “Imagen thoracata”, imperator, jefe militar, con indumentaria militar, con coraza. Ej: el Retrato toracato de Augusto se está dirigiendo al ejército, por lo que está vestido de militar y con el brazo en alto, se esculpe con precisión el contraste entre la coraza lisa y dura y la tela blanda; la coraza llena de relieves alusivos a la paz augusta “Imagen apoteósica”, divinidad, desnudo, corona de laurel y el atributo de algún dios. Ej El Retrato apoteósico de Augusto o el de Claudio divinizado.
--S.I Influencia griega, realismo idealizado en el que los rasgos más acusados se disimulan, busca mostrar la grandeza del emperador, en cuerpos ej retrato augusto los carigula
--S.II Y III progresivo barroquismo, pelo mas largo y separado de la cabeza, y rizado, aparecen las barbas. A partir del siglo III se graban las pupilas.- Ejemplos: -Adriano: obra del siglo II, los ojos están tallados y no policromados, lleva barba y el pelo muy marcado y largo -Marco Aurelio: retrato ecuestre en bronce del siglo II, el más antiguo de los conservados -Retrato de Carcalla. del siglo III; fue un emperador de carácter violento yfuerte y queda reflejado en su escultura.
--BAJO IMPERIO S IV el retrato se caracteriza por rigidez y hieratismo que pasará al mundo cristiano. Los retratos se deshumanizan ,se tiende a esquematización que aleja al emperador de la sociedad. - Ejemplos - Constantino del Palacio de los Conservadores de Roma, cabeza de una escultura de cuerpo entero que se conserva fragmentada y que tenía dimensiones colosales; aparece imberbe y tiene el pelo pegado a la cabeza, los mechones son meras líneas, los ojos son grandes, desorbitados y desproporcionados. - El grupo de los Tetrarcas: que representa a dos augustos o césares dándose el abrazo de la concordia
LA PINTURA ROMANA La pintura romana estuvo profundamente influenciada por el arte griego, ya que muchas obras fueron trasladadas a Roma desde la época de César. Principalmente mural, decoraba las casas de los más adinerados, con técnicas como el fresco, el encausto y el temple. Los frescos protegidos con cera son los ejemplos mejor conservados, especialmente en Pompeya y Herculano.
Estilos Pompeyanos Primer estilo o de incrustación (siglos II-I a.C.): Imitación de revestimientos de mármol. Segundo estilo o arquitectónico (siglo I a.C.): Introduce perspectiva con arquitecturas pintadas para generar profundidad. Tercer estilo u ornamental (primera mitad del siglo I d.C.): Menos profundidad, mayor énfasis en la decoración enmarcada. Cuarto estilo o del ilusionismo arquitectónico (segunda mitad del siglo I d.C.): Síntesis de los estilos previos, con escenografías fantásticas y efectos ópticos barrocos.
MOSAICO ROMANO. Función .- En general, el mosaico es usado sobre todo para suelos, y para decorara interiores, durante el periodo bizantino estas representaciones sustituye a los frescos en los muros. Técnicas: Siguen utilizando el opus tessellatum de origen griego, (teselas de forma cúbica) muy útil para trabajar en
decoraciones geométricas pero no en las escenas . opus sectile (pequeñas piezas de piedra adaptadas a las formas componentes del diseño,también se utiliza coma material concha y nacar. opus verniculatum, procede de la palabra vernis (gusano) se trata de una técnica similar a la taracea en la que las pieza se van disponiendo en forma de espiral o haciendo los movimientos de un gusano, esto permite refinir líneas sinuosas y toda clase de curvas. Temas: costumbrista, narrativo de batallas , representacion de dioses.
ARQUITECTURA ROMANA
pueblo romano es la fusión de la civilización etrusca , que dominó Roma hasta el 509 a.C y las culturas itálicas primitivas (sabinos, samnitas y latinos). Roma se funda en el 753 a.C , el l fundamento etrusco se ve influido por la cultura griega. pragmatismo,(sentido practico)
militarismo, y eclectismo (postura intermedia entre doctrinas).
materiales:
• cemento (opus caementicium) a partir de cascajo de piedra, cal (o cenizas demineral que contenían cal) y agua.
• La piedra en sillares y en sillarejo.
• El ladrillo cocido, si bien mesopotámico, los romanos desarrollaron sus posibilidades al máximo.
• El estuco y el mosaico para recubrir superficies de interiores.
• Y el mármol, en planchas, en el exterior.
• Se cubre, habitualmente, con teja, desarrollada a partir del ladrillo cocido.
los sistemas constructivos
• el arco y la bóveda (mesopotámicos –y etrusco- también). La cúpula es otro logro.
Combinación de arco y arquitrabe.
• elementos sustentantes como decoración exterior (columnas y pilares adosados)
• Dos “órdenes” nuevos: el compuesto(que es propio de los romanos y que combina el corintio con las volutas del capitel del jónico. ) y el toscano(que habían desarrollado los etruscos a partir del dórico griego )
• El muro es el elemento sustentante principal, da un aire de “solidez” y pesadez, macizo.
- Formas de hacer el muro : soga y tizón, al hilo, con ladrillos, relleno de cemento o con
armadura para rellenar de cemento.
La ciudad romana
La cultura romana es principalmente urbana, siguen el plano reticular de Hipódamo de Mileto que ya aplicaban en los campamentos militares. Dividían la ciudad con dos ejes cardo (norte-sur) y decumano (este-oeste) quedando el espacio dividido en cuatro cuartos. Estas vías principales quedaban flanqueadas por arcos soportales en los que había comercios, en las vías secundarias estaban las viviendas insulae ( pisos de 2 plantas) e insulae ( palacio)
Edificios públicos son:– El templo.– El Foro o plaza pública.– Edificios públicos como la Basílica, la Curia
Los espacios de ocio:– teatro, anfiteatro, circo, odeón, palestra.– termas, gimnasios
Obras públicas: vías, acueductos, puentes,cloacas
Monumentos conmemorativos: arcos de triunfo y columnas.
EL COLISEO ANALISIS
El Coliseo de Roma, además de su imponente estructura exterior, cuenta con un complejo interior compuesto por kilómetros de pasillos, galerías abovedadas y una red de escaleras. Su capacidad, tras la reforma de Domiciano, superaba los 50.000 espectadores. El exterior se compone de cuatro niveles, con tres pisos que siguen una estructura similar de arcos soportados por columnas adosadas, siendo dóricas en el primer piso, jónicas en el segundo y corintias en el tercero. El cuarto piso, encargado por Domiciano, consistía en una pared continua con pilares corintios y ventanas, y en sus intercolumnios se encontraban ménsulas que sostenían los mástiles del "velarium", un toldo para proteger a los espectadores del sol y la lluvia.
El interior del Coliseo incluye una pista central para los espectáculos, rodeada por gradas, y un subsuelo con pasillos, escaleras y ascensores de polea. El sistema de pasillos estaba diseñado para facilitar el acceso y la evacuación rápida de los espectadores, soportando las gradas a través de una serie de bóvedas de hormigón y piedra de toba. Los pasillos estaban decorados con mármol, lo que añadía un toque de lujo a la estructura.
ARCO DEL TRIUNFO ANALISIS
El arco de triunfo es un monumento utilizado para conmemorar victorias militares o para celebrar a un gobernante, con los romanos como los primeros en erigir estos monumentos en la Antigüedad, dedicados principalmente a generales victoriosos. Esta estructura, en su forma más simple, consta de dos pilastras macizas unidas por un arco y rematadas por una superestructura o ático, que puede albergar una estatua o inscripciones conmemorativas.
La decoración de los arcos de triunfo solía incluir tallas, especialmente figuras aladas femeninas que representaban la victoria, similares a ángeles, las cuales decoraban los triángulos curvados sobre la parte superior del arco. Los arcos más elaborados contaban con arcos secundarios flanqueando el arco principal. El diseño rítmico ABA, con un vano central flanqueado por arcos más pequeños, fue adoptado durante el Renacimiento en la arquitectura clásica. Los vanos podrían tener formas de hornacinas o ser "ciegos", con mampostería continua detrás.
LA BASILICA ANALISIS
La basílica es un edificio de planta rectangular, generalmente con tres naves, siendo la central más ancha y alta, y soportada por columnas. Esta diferencia de alturas permitía abrir huecos de iluminación en los muros superiores. Su uso variado en la antigua Roma incluía ser un mercado, un lugar para transacciones financieras, un espacio de culto, y, principalmente, un centro de administración de justicia o reuniones cívicas. La entrada se realizaba generalmente por un pórtico en un extremo, mientras que en el otro extremo se encontraba una exedra o ábside donde se situaba la presidencia.
La planta rectangular de la basílica se organizaba de manera simétrica, con un eje central que unía la entrada y el ábside. En algunos casos, se añadía una puerta de acceso en el centro de uno de los lados mayores.
En el periodo bizantino, un ejemplo destacado de la basílica es la iglesia de Santa Sofía en Constantinopla (hoy Estambul), construida entre 532 y 537 por orden del emperador Justiniano. Esta basílica se caracteriza por su planta centralizada y una gran cúpula de 33 metros de diámetro, que se sostiene a 55 metros de altura sobre cuatro pechinas (estructuras triangulares que permiten pasar de un espacio cuadrado a uno circular).
Santa Sofía, originalmente un templo cristiano, pasó a ser una iglesia ortodoxa tras el Cisma de Occidente en 1054, y luego una mezquita en 1453 después de la conquista de Constantinopla por los turcos, momento en el que se modificaron sus mosaicos y se añadieron elementos islámicos, como los minaretes. Actualmente, es un museo. Este edificio es una muestra destacada del arte bizantino, que deriva del arte romano, con elementos como la planta centralizada y la cúpula que ya se veían en monumentos romanos como el Panteón de Roma.
El arte bizantino tuvo un gran auge a partir del siglo X, influenciando la arquitectura de iglesias como San Marcos en Venecia
EL PANTEON ANALISIS
El Panteón de Agripa, construido entre los siglos I y II d.C., es una de las estructuras más emblemáticas de la arquitectura romana. Iniciado durante el reinado de Augusto y su sobrino Agripa, la fachada original fue respetada por el emperador Adriano, quien reconstruyó el edificio centralizado y con una cúpula impresionante hacia el 120 d.C. Aunque la fachada poligonal y la cúpula circular generaban una incongruencia arquitectónica, la obra resultó perfectamente integrada, destacándose por su belleza y su propósito como templo dedicado a todos los dioses.
Los romanos, conocidos por su tolerancia religiosa, aceptaban todas las creencias, siempre y cuando no rechazaran sus deberes cívicos, como la adoración del emperador divinizado.
El Panteón fue construido con materiales como el hormigón, ladrillo, madera y mármol. Sus dimensiones son impresionantes: el pórtico tiene 31 metros de ancho y 18 metros de altura en sus columnas, mientras que la cúpula cubre un espacio de más de 50 metros de diámetro, alcanzando una altura de 43,2 metros. Este tipo de estructura no se volvió a lograr hasta el siglo XIX, cuando se comenzó a utilizar hierro en la construcción.
En cuanto a la planta, el Panteón cuenta con un pórtico típico de los templos romanos, con tres entradas, pero debido a que el edificio es circular en su interior, las dos entradas laterales son ciegas y se limitan a ser hornacinas. El interior está dividido por dos hileras de columnas, manteniendo la estructura clásica de los templos romanos.
El exterior del Panteón está compuesto por tres cuerpos, cada uno con su propia disposición arquitectónica, lo que refuerza la monumentalidad de la edificación. El Panteón sigue siendo una obra maestra de la ingeniería romana, destacándose por su cúpula, que sigue siendo la más grande del mundo sin refuerzos metálicos.